Artistes Arts Plastiques

Que ses œuvres soient des séries, des films numériques, des installations ou des peintures, qu’elles soient exposées en galerie ou placées dans un contexte (jardin, architecture, scène), la peinture est le fil conducteur du travail de Caroline Coppey, selon une filiation revendiquée avec des artistes comme Monet pour son approche de la couleur et sa conception globale de la pratique de l’art, Viallat et Support-Surface pour leur déconstruction du tableau, Penone et Long pour leur questionnement du rapport de l’art à la nature, Opalka pour la mise en évidence du concept dans l’œuvre. 
Depuis 1998, elle a mis en place un mode de création particulier, l’Unicité de la couleur, qui consiste à isoler chaque couleur pour la décliner ensuite dans un processus organique, réutilisant cette nuance unique en une cascade infinie d’actions : Carrés, Gouttes, Echantillons, Sols, Chiffons, Accords, Palettes, Couleurs, Tissus, Peintures, Froissées, Coulées, Brisées, œuvres numériques... tous issus de la même source matricielle.

Sibylle Simon vit et travaille à Paris

Entre à 18 ans à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Pari 
tout d'abord en gravure, et en dessin avec
Vladimir Velickovic. Puis en peinture (Caron) et sculpture (César). Elle obtient le diplôme supérieur de l'ENSBA et poursuit ses études à Rome. 

Diverses expositions collectives et personnelles (Galerie 222 Faubourg Saint-Honoré, Züber à Lausanne, Mario dei Fiori à Rome et Joachim Strass à Bonn). Elle se consacre alors particulièrement au dessin dont elle recherche la rigueur et toutes les dérives du langage classique (exposition collective Varnier rue des Beaux-Arts, Centre Culturel de Pierrefitte, Eglise de Port-Bail, Centre Culturel de Chicago, Cantabile au Théâtre Adyar). Elle obtient en 2013 le Prix de la Fondation Taylor en gravure. A participé à plusieurs livres d'artistes. 

« La sculpture doit marcher sur les pointes des pieds, sans faste ni prétention, légère comme la trace d'une bête dans la neige » 

Jean Arp

« Une ligne rêve, on n'avait jusque là jamais laissé rêver une ligne »  

Henri Michaux

Après une pratique céramique potière (grès et porcelaine) depuis 1976, privilégiant les objets du quotidien dans leur rapport d'intimité avec le corps tels le bol, partant de recherches sur les glaçures orientales, il réoriente sa pratique vers la sculpture en 2006 après une rencontre décisive avec le céramiste Yoland Cazenove (1914-2009). Le choc qui s'en est suivi, au cours d'une nouvelle visite au Musée Guimet devant un pot Shigaraki, tiendra au déplacement de son regard de la texture externe du pot au « vide à l'intérieur ».

Dès lors, il délaisse ses recherches sur la parure des pots via l'émail et engage son travail à partir de la trace en tant qu'indice d'une présence avec la série des « Pots sans fonds » puis celle des « Enroulements ». Suivra la série « Matière-Forme » qui matérialise un processus de développement à son acmé, jusqu'au point de rupture. Sortie du four, la forme exprime un rapport de forces égalitaire entre ces trois instances que sont la terre, le feu et le geste. Il expose ces travaux, entre autres, au Salon Réalités Nouvelles à Paris depuis 2014, au Musée Départemental Breton à Quimper (exposition collective Finisterre), à Nantes à l'initiative d'Hélène Poisot (Arteva) en 2016. Il présente la série « Matière-Forme » (prix sculpture Tribew/MDA 2017) dont « Porcellana 3 »   sculpture emblématique, au Salon Réalités Nouvelles 2017, dans les Cent Marches à Morlaix avec Jean Luc Bourel peintre, et au Salon d'Automne à Paris 2021. 

Athali vit et travaille entre Nantes et les Côtes d'Armor.
Diplômée des Beaux-arts, elle peint depuis 35 ans et diversifie ses pratiques : peinture, lithographie, photo, installations et publications.

Originaire de Gisors, dans l'Eure, Bernard-Marie Lauté réside et travaille en Bretagne depuis plus de quarante ans.
Dès l'âge de 16 ans, il est initié à la peinture moderne par Paul Bigo et commence à esquisser quelques dessins sous l'oeil bienveillant de son père, dessinateur confirmé. Puis, il devient photographe des Musées Nationaux, avant de découvrir l'île d'Ouessant. Là, les paysages le fascinent. Il se met alors à la peinture. « Depuis cinquante ans, je retourne régulièrement sur l'île, avec mon cahier de croquis », confie-t-il.

Jean-Luc Bourel nous invite à marcher vers Le pays où l’on n’arrive jamais d’André Dhôtel, aimanté par ses personnages qui cheminent dans un monde chaotique et jouent leur destin sur une lumière soudaine à l’horizon. Forêts marines et sombres qu’il peint en solitaire face à la mer.

Après ses nombreux voyages en Finlande, en Irlande, en Chine qui ont façonné sa palette et son style, il explore depuis 2007 la baie de Morlaix et s’imprègne de ses mouvements, de ses métamorphoses et de ses lumières. Il a installé son atelier qui s’ouvre sur le ciel et les toits, véritable havre de paix, sur les hauteurs de Morlaix. C'est dans le gris bleuté des ardoises qu’il trouve son inspiration ou dans les vastes plages striées de la baie...

Ricardo Cavallo est un peintre de renommée internationale originaire d’Argentine. La peinture est sa passion depuis toujours et il arpente avec son chevalet les espaces les plus accidentés pour capturer la transparence du ciel ou le reflet du soleil sur une pierre.

Après des années passées à Paris, c’est à Saint Jean du doigt qu’il a élu domicile en 2003 et depuis entre deux tableaux des rochers qui garnissent les côtés Saint Jeannaises et du viaduc de Morlaix, il se consacre à la transmission de son savoir. Il a ouvert une école qui s’est rapidement développée attirant des passionnés de toute la région. 

Nathalie de La Grandville cultive un nombre incalculable de paradoxes. Ceux-ci servent son besoin de s’exprimer par un procédé quasiment pictographique - un procédé qui non seulement n’exclut jamais la contradiction mais auraitpropension à la favoriser. La logique qu’elle revendique haut et fort, échappe à toute logique connue. Cela ne signifie pas un instant que ses compositions soient absurdes ou abandonnées au non-sens. Leur construction dépend plutôt d’un enchaînement de caractères figuraux, agencés dans le volume abstrait qui ne peut être reconstitué qu’au fond de l’œil de l’observateur. L’esquisse de ce récit n’est ni un conte ni une fable, mais une vision de caractère synthétique, qui ne se délivre qu’au sein d’une machination picturale, et rien que picturale. Gérard-Georges Lemaire, Paris Mars 1997.

https://www.instagram.com/ndelagrandville
http://grandville.book.fr 

Gabriela Médina est née au Venezuela, elle a commencé comme photographe freelance en 1982 où elle s’est fait remarquer par les plus grandes agences mais aussi par les grandes entreprises pour ses prises de vues originales et créatives dans des conditions parfois difficiles. Elle a travaillé pour l’industrie de la mode mais aussi pour la gastronomie et pour l’industrie.

Elle vit à Paris depuis 2011 où elle se partage entre son activité de freelance et son travail personnel.

Lionel Guibout nous fait découvrir ses dernières œuvres. Il installera dans le jardin des fragments d’écorce en bronze qui se dressent tels les restes d’une forêt calcinée. Est-ce une prémonition de la forêt amazonienne qui brûle encore ? Est-ce une étape dans le cycle de la forêt qui l’a inspiré durant sa quête picturale. On attend que cette forêt renaisse de ses cendres telle le Phoenix.

Lionel a exposé dans les plus prestigieuses galeries du monde entier, Berlin, Venise, Moscou, New York, Dubaï... mais c’est à Saint Jean du Doigt qu’il a posé ses malles estivales où il aspire « à plus de Saint Jeannaiseries ».

François Hameury, ancien ingénieur passionné de mécanique, se consacre depuis 1995 à la sculpture mettant en scène des mouvements étourdissants et des équilibres improbables. Ses mobiles, de fer et de laiton, évoluent dans l’espace. Il a installé son atelier et sa galerie à Lanmeur. Il croit que « pour sa survie, l'homme doit évoluer vers la recherche de son équilibre propre, hors béquilles structurelles, dans le respect de tous ses environnements ».

Né le 1er novembre 1937, Jean-Claude Henry expose à Lyon en même temps qu’il poursuit ses études de médecine. Il a repris ses activités de peintre graveur après 45 ans de médecine qui l’ont fortement influencés. Le trait est plus important que la couleur pour ce dessinateur handicapé par un daltonisme.

Ses expositions dans le cadre magnifique de Pont ar Glech furent pour lui une expérience inoubliable.

Lorsqu’il parle de son travail récent Wilfried Histi évoque d’emblée l’importance pour lui du jeu d’enfant,

du caractère ludique : prendre de la glaise dans les mains et laisser venir, sans représentation prédéfinie. Chaque pièce modelée va passer par différentes torsions, accidents. Certaines donnent parfois l’impression de fragments retrouvés sur un site archéologique – vestiges portant la mémoire des couches qu’il a fallu traverser pour parvenir jusqu’à eux. 

Artiste calligraphe, Mohammed Idali a grandi à Safi au Maroc et vit en France où il a suivi ses études aux  Beaux-arts 

et enLettres arabes comparées.

C’est par la voie des maîtres classiques qu’il a fait ses premières armes en tant que calligraphe.

Yasuyo Iso est une artiste aux multiples talents, chanteuse à la voix envoûtante du groupe Days In Orbit, compositrice à ses heures, elle nous entraîne avecses toiles dans son univers zen et chaleureux. C’est dans ses origines japonaises qu’elle puise son inspiration. Cette explosion de couleurs chatoyantes nous rassure et nous apaise.

Alvaro Izurieta, né en 1944 à Hipólito Bouchard, dans la province de Córdoba, en Argentine, a fait des études artistiques à l'Ecole Provinciale des Beaux-Arts Figueroa Alcorta

Parallèlement, il assiste aux ateliers des artistes Antonio Pujía à Buenos Aires et d'Henry Arán à Río Ceballos. En 1979, il obtient le Prix “Dix jeunes remarquables de l'année” par la Chambre de Commerce de Córdoba, et celui “Des hommes de la culture” du Journal Córdoba.

Entre ces formats de toutes tailles, parfois très grands, parfois carrés, et parmi toutes les pages de tous ces carnets d’études, on se 

plonge dans une foule de portraits : un dictionnaire, une encyclopédie ; tant les figures sont nombreuses, tant les tracés s’accumulent sans jamais bégayer et tant les yeux sont multiples. 

Roger Joncourt a étudié l'art à Anvers, à l'Académie royale et à l'Institut national des Beaux-Arts de Belgique, ainsi qu'à Londres, au Royal College of Arts. À Paris, il a été l'élève de Zadkine. Mais c’est à Mespéaul dans le Léon qu’il a installé son atelier.

KITO, né le 08/02/54, est autodidacte. Il commence à sculpter dès l’âge de cinq ans. Ses premières trousses de sculpteur sur bois et pierre lui sont offertes par le célèbre sculpteur Etienne MARTIN, ami de la famille.

Il est précoce : dès 1968, à l’âge de quatorze ans, on lui confie la décoration de l’Ecole Maritime de KERSA à PAIMPOL (22). Il réalise alors une fontaine « NEPTUNE » en granit. En 1972, il est admis à La Biennale de ST-BRIEUC (22) pour laquelle il réalise une sculpture en granit : « Les diables au bénitier ».

Michel Le Bourhis est un ancien élève du sculpteur breton Lucien Prigent. Après des années il s’est consacré à la sculpture. Ses œuvres en bois et en bronze témoignent de son enthousiasme et de son humour.

Ses moteurs sont amour et amitié. C'est ce qui anime son sens de la création. Comme le bon vin ou le cidre, l'œuvre de Michel ne connaît ni coupe ni mélange, c'est l'œuvre simple comme la vie. Roger Joncourt 

Avec ses personnages mystérieux et énigmatique, Marie Christine, la Saint Jeannaise, nous fait voyager loin de cette magnifique plage qui s’ouvre comme une porte sur la mer. Elle nous invite au voyage et à la rencontre de ces vielles âmes.

Jérôme Mitonneau est né en 1968 à Angers, il vit et travaille à Paris.
Après une maîtrise de sociologie où il a soutenu un mémoire sur la représentation de l’homme chez les artistes de la seconde moitié du xx ème siècle, il exerce différentes activités avant de devenir libraire à Paris à la fin des années 90.

 Il étudie la peinture en autodidacte. Il commence à exposer à partir de 1989.

Les paysages à la craie ont pour origine un séjour de trois mois à Londres en 1998  qui nécessitait d’emporter un bagage léger, composé de papiers, fusains, craies et encre. Il poursuit cette recherche en 2004, lorsqu’il était en résidence d’artiste au pays de Loiron, en Mayenne.

Richard Morice est né en 1953 à Pornichet (Loire Atlantique). 
Il étudie aux Beaux-Arts de Nantes et à l'Université de Montréal (section Arts Plastiques) aux Canada.

« L’artifice n’est pas de mise et le ton est donné par le geste du peintre qui opère progressivement par imprégnation : la toile travaillée est brute, et reçoit,couche après couche, des jus de pigments purs. Les couleurs se superposent, se fondent au fur et à mesure et basculent peu à peu vers un vacillement à peine perceptible, dont la matité intrigue; il faut se déplacer devant ces oeuvres pour capter toute l’infinité des variations. C’est l’alliance rêvée entre un ensemble stable et l’infinie fluctuation des passages d’ombre et de lumière. A l’origine de ces peintures, il y a bien une construction humaine et la confrontation à un mystère. Leur beauté réside dans leur simplicité apparente : tout tient ensemble et leur harmonie saute aux yeux. » SD

D'abord, il y a le tissu. Les vêtements usés jusqu'à la corde, chargés de temps. Les vêtements d'un être proche disparu, dont on ne parvient pas à se séparer. La naissance d'un enfant pour lequel patiemment, morceau par morceau, on coud le premier doudou. Il y a l'histoire, la grande et la petite, les grands-mères couturières, l'arrière-grand-père tailleur.